"Nuestra sensibilidad por la estatua mutilada, por el bronce de las excavaciones arqueológicas, es reveladora. No coleccionamos ni los bajorrelieves borrosos ni las oxidaciones; no es la presencia de la muerte lo que nos retiene sino la de la supervivencia. 

La mutilación es la traza del combate, el tiempo ha aparecido de golpe, el tiempo que forma parte de las obras del pasado tanto como su materia y que surge de la fractura como de la oscuridad amenazadora donde se unen el caos y la dependencia.

La voz del artista saca su fuerza de que nace de una soledad que apela al universo para imponerle el acento humano, y en las grandes artes del pasado sobrevive para nosotros la invencible voz interior de las civilizaciones desaparecidas. "

André Malraux

(Fragmento de "El museo imaginario")

EL INFINITO EN UNA HOJA DE PAPEL

"Ser el ánfora quieta de una ignota,

milenaria mansión
sin nada dentro,
y esperando..."

Matilde Kirilovsky 

Permanencia

KARIN APOLLONIA MÜLLER

Sopla, viento, sopla y arrasa, que también de ti
saco conciencia.
En tu furia
mido mis fuerzas. Dóblame si puedes, y túmbame,
mi sostén es de acero.
Yo estoy sobre la línea de las cosas
que no murieron nunca.
Mi raíz emerge
desde el primer asomo del comienzo,
y brota y ensancha, y fructifica, y siembra,
hasta el negado fin del infinito.
Brioso y perverso y desafiante y ciego,
no borrarás la luz de mi paisaje,
ni el aroma del tiempo que me quiere.
El canto de los pájaros
ha de prender corolas de colores, siempre,
y un recuerdo de nido
entibiará mis ramas.

La luna te cortará las carnes para verme

...Estoy sobre el regazo de la tierra,

bajo la cóncava mirada azul,

con mi sabida sangre,

a un murmullo

del agua.

Suéltate, desorbitado, atronador, deshecho,

por la ladera fácil,

a querer romperme los oídos;

yo escucho con el corazón.

Búscame, azota mi pensativa hora de preguntas,

castígame el silencio, enfríame las manos,

succióname la savia.

Fatigarás tu furia hasta que caigas.

Todos nosotros te derrotaremos; la gota de agua,

el anuncio del pájaro

sobre la primavera,

la sonrisa del niño, y la sencilla

calma de existencia.

Raíz de tempestad, barre las caídas hojas,

y la inclinada brotación de miedo.

Tu voluntad altiva de torcerme

no quebrará mi línea,

respiro con las cosas que no murieron nunca.

Soy de mí misma,

indestructible, mía, en vertical esencia,

y permanezco.

"Les mots et les coleurs ne sont choses pareilles

Ni les yeux ne sont les oreilles"  La Fontaine

Solid Air - John Martyn

Xilografía
Kiyoshi Saito (1907-1997) "Snow, Sunset" (detalle) 1975

Jürgen Partenheimer

Taller de Jaume Pinya

Saul Leiter. Untitled, 1950

Con frecuencia me detengo, asombrada,

ante esa cosa increíble que me sirve de rostro.

Simone de Beauvoir. La fuerza de las cosas

 Suma (Bassano in Teverina), 1982 

Cy Twombly (1928-2011) fue un artista estadounidense conocido por sus pinturas a gran escala, libre garabateada y caligráfica, en cuyos campos de color predominantes son el gris, beige y el blanco roto.

Muchas de sus más conocidas pinturas de la década de 1960 son una reminiscencia de una pizarra de la escuela en la que alguien práctico la cursiva "e" .

Fotografía de David Seymour

Twombly  descartó la pintura figurativa representativa de la materia para citar a la línea o mancha como sujeto propio.

Más tarde, muchas de sus pinturas y obras sobre papel se trasladaron a "simbolismo romántico", y sus títulos se pueden interpretar visualmente a través de formas y figuras y palabras. Twombly a menudo citó al poeta Stéphane Mallarmé , así como muchos mitos y alegorías clásicas en sus obras.

Hayley Warnham
"Un petit peu d'air" - Felipecha ♫

Una especie de pérdida

Usados en común: estaciones del año, libros y una música.
Las llaves, los boles de té, la panera, sábanas y una
cama.
Un ajuar de palabras, de gestos, traídos, empleados,
gastados.
Un reglamento de casa observado. Dicho. Hecho. Y
siempre alargada la mano.
De inviernos, de un septeto vienés y de veranos me he 
enamorado.
De mapas, de un poblacho de montaña, de una playa y de una cama.

he adornado un algo y he sido devota delante de una nada,

(-de un periódico doblado, de las cenizas frías, del

papel con un apunte)

impávida ante la religión, porque la iglesia era esta cama.

De la vista de un lago surgió mi pintura inagotable.

Desde el balcón había que saludar a los pueblos, mis

vecinos.

Junto al fuego de la chimenea, en la seguridad, mi

cabello tenía su color más intenso.

La llamada a la puerta era la alarma para mi alegría.

No te he perdido a ti,

sino al mundo.

Ingerborg Bachmann

De "Invocación a la Osa Mayor" 
Versión de Cacilia Dreymüller y Concha García

Pintura de Todd Clark

Pas besoin de diamants, on vit sous les étoiles

A stroll in the park, charcoal & oil on canvas, 2003 Marc Seguin

Chaja Goldstein, 1933 -by Eva Besnyö  

In a Silent Way (1971) - Joe Zawinul

Hay en el ardiente corazón del verano,

 una veta de aún no visibles sombras en las que

 ya germina la declinación de la luz...

Fotografía de CHLOROFORMS

"Y una vez más, en ella o desde ella, veo o sé que las artes, todas las artes, surgen de una misma materia. Saura mismo, en efecto había escrito:

La pintura continúa y continuará y permanecerá porque es una secreción natural del ser humano y por consiguiente, no puede morir. Mi definición: una secreción natural.

En Mandorla (1982), un poema mío se abre con estas, tan próximas, palabras:

Escribir es como la segregación de las resinas; no es acto, sino lenta formación natural.

Toda creación brota de una oscura matriz original donde se abriga palpitante cuanto no conocemos. De ahí que esa entrada en lo oscuro carezca de orientación predeterminada. Y de ahí, una de las penetrantes preguntas de Eduardo Chillida, que sólo puede encontrar una sola, afirmativa, respuesta:

¿No será el paso decisivo para un artista el estar con frecuencia desorientado?

Lenta, muy lentamente, cede la sombra paso al leve vuelo de la luz..."

Una muy bella cita dice así:

"Es necesario trabajar con soltura, sin que tenga apoyo la mano, y el trazo del pincel será capaz de metamorfosis abruptas.

Si el pincel es incisivo en sus ataques y en sus finales, no habrá en la forma torpeza ni confusión. La firmeza de la muñeca dará peso al pincel para penetrar en profundidad; la ligereza de la muñeca hará volar y danzar al pincel con una despreocupación alegre; la muñeca rigurosamente derecha hace trabajar al pincel con la punta; se inclina la muñeca y el pincel trabaja oblicuamente; si la muñeca acelera su ritmo, el golpe del pincel gana fuerza; de la lentitud de la muñeca nacen las curvas sustanciosas; las variantes de la muñeca facilitan los efectos de un natural lleno de abandono; sus metamorfosis engendran lo imprevisto y lo extraño; sus excentricidades obran milagros y cuando la muñeca está animada por el espíritu, ríos y montañas nos entregan su alma"

Elogio del caligrafo, José Ángel Valente

JOAN MIRÓ

"Portrait of a Dancer," by Joan Miró, Paris, mid-February-Spring 1928, feather, cork and hatpin on wood panel with Ripolin (original feather has been replaced), 39 3/8 by 31 1/2 inches, Centre Pompidou, Musée national d'art moderne-Centre de creation industrielle, Paris, Gift of Mme. Aube Breton-Elleouet

CAZADOR DE INSTANTES. AVIGDOR ARIKHA (Rumanía, 1929 – París, 2010)

Sus motivos son auténticos fragmentos de realidad, intensamente vividos y representados por el artista de forma espontánea, con una pincelada enérgica y nerviosa, una característica luz tenue y blanquecina, y una paleta basada con frecuencia en tonos blancos y terrosos; todo ello, sumado a una cuidada estructura de la superficie del cuadro, confiere a sus obras un ritmo compositivo y una atmósfera muy personales y característicos. 

“El arte basado en la observación lo crean, sin a priori y sin apoyos, la mirada y la mano a partir del natural, es decir 'sur le motif', como decía Cézanne. Su objetivo no es decorar, como el ornamento, ni documentar, como la imagen, sino que nace de una necesidad profunda para retener lo vivido” (Avigdor Arikha)

PAOLO GIOLI, 1942 - EXPLORADOR DE LA IMAGEN / FOTOGRAFÍA CONTEMPORÁNEA

"Veduta maledetta", 1986,
Cibachrome stenopeica (pinhole photography), cm 25x35
(Museo del Paesaggio, Verbania)

Paolo investiga con inagotable creatividad y destreza. 

En su obra Gioli divulga sus investigaciones sobre los orígenes de la fotografía y en particular sobre la exploración casi arqueológica de las distintas posibilidades técnicas de este medio, adquiriendo nuevos conocimientos para su producción. 

"Natura obscura", 1986

A partir de 1969 trabajó con la técnica estenopeica, 

que combina, a partir de 1977,  con materiales de Polaroid en  soportes especiales: papel de dibujo, seda, madera...

PAOLO GIOLI

ESPACIO-TIEMPO FOTOGRÁFICO

El sol se mueve, las plantas crecen, la tierra está en constante rotación, el día sigue a la noche, incluso el ser humano contempla día a día su lenta pero segura transformación.

Existe una continuidad ordenada, espacial e ilimitada. Esa fusión de espacio y tiempo es lo que llamamos movimiento.

Fotografía de Michael Snow

La detención del movimiento crea el instante, y la reproducción de ese instante crea la instantánea. Para nuestro ojo, nuestra mirada, el instante no existe porque somos incapaces de parar el movimiento, el fluir constante de las acciones y de nuestros cuerpos.

 ANTON GIULIO BRAGAGLIA (1889-1963)

El ojo humano, por ejemplo, se mueve y parpadea automáticamente, es como un tic involuntario del cual apenas nos percatamos. Entre un parpadeo y otro el tiempo ha pasado y el instante es otro.  Zenón de Elea, filósofo griego del siglo V a. C, quiso demostrar que el movimiento no existía. Para Zenón el movimiento es una ilusión, no existe en este tiempo. Sólo es concebible en la ficción de un tiempo memorial; es decir, si uno cae en la ilusión que resulta de la suma de los diferentes momentos de inmovilidad, y si uno construye una falsa síntesis poniendo en continuidad los instantes de no movimiento.

[...] A principios del siglo XX, el filósofo francés Henry Bergson desechó esta concepción del movimiento discontinuo como falsa, diciendo " El tiempo es la continuación de lo que precede a lo que sigue, la transición ininterrumpida, multiplicidad sin divisibilidad y sucesión sin separación". Para él la duración es una "fluidez" en constante cambio, es decir, una continuidad del fluir.
Estos dos puntos de vista tan visceralmente opuestos han sido la causa de incesante polémica entre los filósofos y los propios artistas que han buscado plasmar el movimiento a través del medio fotográfico.

"Impresiones fotográficas: El universo actual de la representación"  Marga Clark

Eadweard Muybridge

EL OJO MECÁNICO


El artista quien plasmaba el tiempo a través de la pincelada y diversas técnicas que sugerían el "movimiento congelado" desechaba la idea de fotografía como arte pero no dejaba por eso de reconocer todos los elementos enriquecedores del medio, pues ofrecía una "visión objetiva de la realidad", de ciertas fases del movimiento. Esta concepción como "espejo del mundo" y portadora de la verdad que se atribuía al medio fotográfico se oponía a mostrar una imagen confusa, esa borrosidad asociada al movimiento en la fotografía en el siglo XIX que sin embargo, artistas como Charles Négre, Edouard Denis Baldus y Eugéne Atget comenzaron a conferirle connotaciones artísticas. "Vestigios" de la presencia humana, rememorativas de su tiempo y no ya considerados simples errores mecánicos.

Imagen del libro " Encaustic Workshop" Patricia Baldwin Seggebruch

Antique Store

Steve Munar & Miracle Band " Break The Rules"

JOSÉ MARÍA SICILIA

La sensibilidad, la simplicidad de las formas, la simbología implícita, la esencia pura del color, son las características fundamentales que José María Sicilia (Madrid, 1954) plasma en todas su obras.

- El silencio, la interiorización (la visión interior), el blanco como búsqueda de todos los colores, la iluminación... Pero no es usted el místico venido a compartir el amor y la clarividencia. Creo que su misticismo es trágico y que se sitúa en la dorsal de su admirado San Juan de la Cruz.

- Desde luego, es inútil creer que mi trabajo influye en la sociedad. Tampoco la sociedad se asoma a contemplar mi obra, que no tiene nada que ver con su marcha. Mi trabajo no puede influir porque se encuentra muy lejos de todo eso. Mi obra, en definitiva, queda dentro de un círculo. Todo ocurre a pesar mío, ocurre porque es así, sin más. [...]Como dijo Baudelaire, cuando me preguntan qué quiero decir, respondo que lo que quiero es hacer, y es esa intención lo que digo.

- "Ahora no tengo imágenes, es cuestión de espera, de tranquilidad, de tiempo", creo que ésa es una de las autorreferencias que más ayudan a interpretar su proceso de trabajo. ¿Esa búsqueda de señales -como dirían los surrealistas- convierte la poesía en una de las vías tangenciales de su pintura ?

- No creo que haya una correspondencia entre la poesía y mi obra, pero es una parte del mundo donde estás, donde haces algo y donde estás viviendo. Creo que la poesía me ha alimentado enormemente. La poesía es la propia vida; para llegar a la poesía hay que hacerlo a través de la vida. 

 - No sirve entonces como acicate para alcanzar el estado creativo necesario para seguir produciendo?

- No hay más estado creativo que el que te da la vida: no saber. No saber qué hacer, a dónde vas. Vagamente sabes de dónde vienes.

Lo demás es todo terreno movedizo. Y en ese terreno movedizo es donde está la creación. Si es que la creación existe.

Fragmento de la entrevista a J.M. Sicilia

JAN VAN DER KOOI

C'est le printemps - Léo Ferre

Escuela Bauhaus - 1920's

Gertrud Arndt "Thost" Knotted Carpet,1927 /  Lucia Moholy "Girl Taking a Photograph" 1929/30

NILS UDO - LAND ART II

Ideas, ideas...

 Las creaciones de Dan Estabrook consiguen recuperar las técnicas fotográficas del siglo XIX con métodos y técnicas de revelado como el ferrotipo, el calotipo, los papeles salados o la albúmina.
 Todo ello de un modo creativo, coloreando sutilmente las copias con gouache o acuarela.

DAN ESTABROOK

Me abismo en una rara ceguera luminosa, 

un astro, casi un alma, me ha velado la Vida.

¿Se ha prendido en mí como brillante mariposa,

o en su disco de luz he quedado prendida?

No sé...

Rara ceguera que me borras el mundo,

estrella, casi alma, con que asciendo o me hundo.

¡Dame tu luz y vélame eternamente el mundo!

Delmira Agustini

(Helen Frankenthaler, High Spirits, 1988, acrylic on canvas)